Apuntes Diseño: Tema 3B La psicología del color

PSICOLOGÍA DEL COLOR. EL COLOR EN DISEÑO Y PUBLICIDAD.

¿Alguna vez te has sentido "verde de envidia" o te has puesto "rojo de ira"?¿Has sido acusado de mirar el mundo a través de "lentes de color rosa"? Todos nosotros hemos escuchado estas y otras expresiones similares antes. Estas son sólo algunas de las maneras en que han impregnado de color a nuestro idioma, afines a nuestro estado emocional de la mente. ¿Tiene realmente el color un efecto en nuestras emociones? En este tema analizaremos esta cuestión y veremos como el color influye en nuestras vidas.

Para desarrollarlo comenzaremos por hablar de la percepción del color y de los factores que intervienen en su apreciación. Hablaremos de las teorías sobre las relaciones entre los colores y las relaciones de éstos con las formas, así como de la psicología del color y cómo éste interviene en el mundo del arte.

Empecemos por ver el color en la Naturaleza. Como sabemos la luz del Sol es blanca y sumada al material de los propios objetos y a nuestros órganos visuales genera la percepción del color. Ésta, por tanto, variará según la disposición de la Tierra con respecto al Sol, durante las distintas horas del día o las diferentes estaciones del año, puesto que tendremos diferentes tipos de iluminación. Lo mismo ocurre con los cambios meteorológicos. Así pues, podemos decir que el color es relativo en la Naturaleza.

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-          La luz, será por tanto, uno de los factores determinantes a la hora de percibir el color, siendo interesante analizar sus características:

o        La naturaleza de la fuente luminosa: la luz puede ser natural (sol, luna, fuego y algunos seres vivos), o artificial, básicamente la energía eléctrica que se puede presentar de diferentes maneras: bombillas halógenas, tubos de tungsteno, luces de neón… presentando en cada uno de los casos diferente coloración que influirá en la percepción de los objetos.

o        La cantidad de luz: podemos percibir fuertes contrastes lumínicos o por el contrario apreciar cierta homogeneidad en la iluminación dependiendo de la intensidad de la luz, si es más fuerte o más tenue.

o        La calidad de la luz: viene relacionada con las anteriores, existiendo también muchas diferencias según el tipo de iluminación que se emplee (velas o luz artificial, por ejemplo).

o        La coloración: referidas como hemos visto a las características del propio foco. Las luces de tungsteno dan una coloración verdosa o azulada, mientras que las del fuego ofrecen tonalidades más cálidas, rojizas o anaranjadas.

o        Otro aspecto importante será la dirección de la luz, según su procedencia, podremos conseguir unos u otros efectos, desde contraluces, sombras, efectos psicológicos como teatralidad en luces altas o bajas(picados, contrapicados), etc…

-          Las características de las superficies iluminadas también influirán en su color.

o        Según su textura obtendremos distintos efectos: las superficies brillantes acentuarán la intensidad de la luz, mientras que en las mate el color se apagará. Las superficies rugosas producirán sombras y otros efectos.

o        También deberemos tener en cuenta si éstas son opacas o si por el contrario dejan pasar la luz, pudiendo aplicarse distintos filtros de color que pueden permitir mezclas.

o         Además, según la dimensión de la superficie coloreada veremos que nuestra percepción es diferente, cuanto más pequeña sea esta superficie, más saturado veremos su color.

-          El observador será el tercer factor determinante a la hora de percibir el color, puesto que éste es algo subjetivo. Según las teorías de Arnheim en su apreciación dependerá la memoria visual, la educación, la cultura y la sociedad del individuo.

Veamos ahora las relaciones de los colores con el entorno tomando como referencia las ilusiones cromáticas y las tensiones dinámicas que se pueden crear en esta interacción.  Cuando dos colores se sitúan muy cerca el uno del otro, o se tocan, se produce una exaltación mutua, fundamentalmente si éstos son muy distintos. Se puede dar el caso de deslumbramiento cuando hay choques de gran intensidad. El fenómeno de igualación o interacción de colores es el opuesto al de contraste. Las diferencias de unos tienden a suprimirse por aproximación al otro, además recogerá influencias o connotaciones de éste. El efecto de gradación marginal se produce cuando una figura no tiene bien definido su contorno, mezclándose su color con el del fondo (un círculo rojo punteado sobre un fondo amarillo se percibirá como naranja). Los contrastes producidos por pares de colores son relaciones muy interesantes que se han desarrollado sobre todo en publicidad. Uno de los estudios más importantes a este respecto son los de Grewdson en el que establece el orden de la visibilidad, atribuyendo por ejemplo una mejor visibilidad del negro sobre el amarillo, el no poner un color rojo sobre un verde, etc…

Para finalizar este apartado, destacar cómo los artistas conocen y emplean las características del peso y dinámicas del color. Las primeras se fundamentan en su claridad, que se han de compensar con muchas manchas de colores oscuros de menor superficie. En cuanto a las cualidades dinámicas, éstas aparecen al crear efectos de contrastes, y pueden generar características psicológicas.

Hablemos pues, de la psicología del color. El color es un estímulo objetivo que afecta al sistema nervioso humano a través de las vías de percepción visual. Sobre esta base biológica de respuestas, se estableció una relación entre reacciones psicológicas y estímulos visuales específicos. El tipo de intensidad de las respuestas psicológicas varía en cada individuo. Esto se explica considerando que la disposición a reaccionar frente a la estimulación de cada una de las fracciones del sistema nervioso está asociada con la satisfacción de necesidades psíquicas básicas. Es decir, existe una estrecha relación entre la satisfacción de necesidades psicológicas fundamentales y las reacciones de cada fracción del sistema nervioso.

Hablamos de temperatura del color, ya que se debe a la sensación térmica que viene dada por isomorfismo, evocando significados de parecidos (sol= amarillo= cálido). De esta manera, denominamos colores fríos a los azules, violetas y verdes, y cálidos a los naranjas, rojos y amarillos. Los colores fríos simbolizarán grosso modo la tranquilidad, la frescura y la trascendencia, mientras que los cálidos la vitalidad, el movimiento y la violencia.

Según J. C. Sanz, la percepción del color atiende a  las funciones de adaptación y de oposición. La primera desarrollará las respuestas activas, vivaces o intensas, son excitantes y estimulantes, la segunda atenderá a las pasivas o débiles, son sedantes y tranquilizadoras. En un nivel físico se ha demostrado que el efecto de la exposición a la luz roja pura es estimulante. Hay un aumento en el ritmo cardíaco, la respiración y la presión arterial. La luz roja tiene un efecto interesante sobre el sistema nervioso, especialmente la rama simpática del sistema nervioso autónomo. Por otra parte, la exposición a la luz azul puro tiene el efecto contrario: la reducción del ritmo cardíaco, la respiración y la presión arterial con efecto especial en la rama parasimpática del sistema nervioso autónomo.

¿Pero cuáles son los significados, los códigos y el uso cultural de los colores? Esta cuestión es en realidad difícil de contestar. Los distintos códigos visuales y las diferentes culturas les darán un uso y un significado distinto. Así, vemos que en trafico se utiliza el color rojo para simbolizar peligro, el amarillo precaución, el verde circulación y el azul información. En la religión de las diferentes culturas el color podrá variar: el verde y el oro son los colores del paraíso para la cultura islámica, los hindúes asocian los colores a los centros de poder del cuerpo llamados “chacras”, y la religión católica identifica los colores según momentos bíblicos o “pasos” (como los de Semana Santa). La cultura oriental utiliza el blanco como color de luto, mientras que nosotros utilizamos el negro. Asimismo, vemos como el color parece formar parte también de las tradiciones, como la heráldica de los monarcas, los colores que simbolizan universidades, equipos de fútbol, etc…Los colores también se pueden asociar a sabores: el rosa= dulce, el amarillo= ácido, o el verde= amargo.

En general, en nuestra cultura, los colores fríos como los azules, violetas y verdes, simbolizarán la tranquilidad, la frescura y la trascendencia, mientras que los cálidos como los naranjas, rojos y amarillos la vitalidad, el movimiento y la violencia.

La función del color en diseño es fundamentalmente la de atraer la atención. Como sabemos el color es lo que primero capta la vista al apreciar una imagen, teniendo un 40 % más de interés que una en blanco y negro. Por lo general el diseñador tendrá en cuenta la importancia de los soportes, intentando componer con colores claros sobre fondos oscuros, está demostrado que el amarillo sobre el negro es la combinación que más atrae a la vista y cuya legibilidad es más clara. El caso contrario lo encontraríamos en la asociación de verdes y rojos.  Las pinturas luminosas y las fluorescentes, captarán también mucho nuestra atención.  Para mantener la atención en diseño se realiza un estudio riguroso de combinaciones eficaces de color, estableciendo diferentes niveles de importancia. Es necesario tener en consideración el tamaño de las manchas para compensar los pesos visuales y la interacción del color. Además, las características de la luz influyen en la lectura del color resaltando o anulando sus cualidades. Otra de sus funciones será la de transmitir información, ya que es portador de mensajes. El color afecta a las emociones mucho más que las palabras, sus efectos sinestésicos, es decir, aquellos que se relacionan con los sentidos pueden transmitirnos placer, gusto, tensión, relajación, etc… sin embargo, como hemos venido diciendo, estos significados vendrán determinados por las diferentes culturas, al igual que la simbología de la que ya hemos hablado. La última función del color en el diseño es que toda esta información se recuerde, intentando que los colores pasen a ser el signo distintivo de una empresa o marca. Normalmente se elegirán para este fin aquellos más simples y pocas combinaciones cromáticas. Debemos destacar dentro del diseño gráfico la importancia de la tipografía, ya que determinadas aplicaciones tipográficas son más propicias que otras al uso del color. El contraste de los textos con el color de fondo no debe ser muy extremado para que no se produzcan interferencias. Una cabecera o titular es preferible en cualquier color que no sea amarillo, ya que éste produce vibración en los textos. En textos cortos se pueden utilizar colores complementarios, intentando que el del fondo resulte más apagado, sin embargo, en textos largos los fondos deberán ser neutros. Una de las eras más fértiles  en la experimentación del diseño tipográfico fue durante los primeros años del siglo XX, donde se incluyen los estudios de los constructivistas, el Avant Garde, la Bauhaus o De Stijl. La tendencia New Wave (Nueva Ola) de principios de los 80 se inspiró en ellos, sin embargo, su aportación radica en el uso de los colores, en su mayoría pastel, que pasaron a ser el sello distintivo de este movimiento.

Muy relacionada con el diseño estará la publicidad. Ésta se orienta objetivamente para estimular las ventas de productos o servicios, es por ello que estudia la potencia psíquica de los colores y la aplica como factor principal de atracción y seducción. El color actúa sobre el inconsciente del comprador, teniendo gran influencia sobre sus sentimientos y emociones. Según a quien vayan dirigidos los productos o cuáles sean sus características, se hará uso de unos colores u otros. Los colores primarios e intensos atraen a los niños, y a personas con pocos recursos o baja cultura, por el contrario, los tonos suaves o neutros atraen a consumidores más sofisticados. Los colores oscuros llaman la atención de las personas mayores y de los hombres. En productos de lujo se emplean pocos contrastes cromáticos, sin embargo, en productos de uso cotidiano como alimentación, limpieza o higiene se utilizan fuertes contrastes para que puedan identificarse rápidamente. En general, los amarillos se utilizarán en joyería, iluminación o productos para el verano, los rojos y naranjas para calefacción, maquinaria, perfumes y artículos festivos; los azules y verdes para bebidas refrescantes, productos naturales y productos de limpieza; y los oscuros, violetas o negros en objetos de distinción. En alimentación se emplearán también unos códigos propios, utilizándose para frutas colores saturados, respetando los colores originales para su mejor identificación. Para dulces se emplearán rosas o amarillos pastel, en sabores amargos verdes o marrones, en agrios el amarillo y para salados grises  verdosos. Pero además de éstos, el color se desarrollará en otros muchos ámbitos publicitarios. Los colores fríos y poco saturados se utilizarán para transmitir relax y comodidad. En cosmética dirigida a mujeres tonos pastel, y para hombres con azules y negros. En turismo destacarán los colores cálidos que simbolizarán el sol y la fiesta, o los verdes para representar espacios naturales. Los oscuros para bebidas fuertes o tabaco, mientras que los vigorosos para bares o discotecas. Al anunciar coches deportivos el color estrella será el rojo.

Tanto el diseño como la publicidad tendrán muy en cuenta las técnicas de reproducción del color, determinando las más adecuadas para cada trabajo y haciendo un estudio sobre la calidad y el coste. En la impresión a un solo color, éste puede representarse en tonos, es decir, que éste se puede descomponer en tramas de puntos de tal manera que dejen pasar más o menos color dando lugar a diferentes gradaciones tonales. Cuando se emplean dos colores, su mezcla, también a partir de tramas, nos puede generar un tercero. Sin embargo, la opción que aporta un número ilimitado de colores es la cuatricromía (magenta, cyan, amarillo y negro) con el que se pueden realizar todas las mezclas posibles, siendo el único inconveniente el encarecimiento del producto.

Acabaremos por resaltar, que este es un tema prácticamente inabarcable. La presencia del color está en todos los ámbitos de nuestro entorno, tanto, que seguramente, muchas de estas manifestaciones las habremos dejado en el tintero, pero lo realmente importante, es que conozcamos las pautas para poderlo apreciar y distinguirlo en nuestro entorno. Conocer los movimientos artísticos en los que  el color toma un papel predominante, así como los aspectos básicos, objetivos y subjetivos, que lo definen.

Bibliografía:

-          ALBERS, J: La interacción del color, Alianza Editorial, 1979

-          AMOUNT, J: La imagen. Editorial Paidós, 1992

-          PARRAMÓN, J.M: El gran libro del color, Parramón Ediciones, 1993

-          SANZ, J.C; El libro del color, Alianza Editorial, 1993

-          -KANDINSKY, Punto y línea sobre el plano, Ed. Labor, 1991

-          La Lógica del Color, Edición Callwey, Muenchen,

-          El Gran Atlas de Colores de Kueppers, Edición Callwey, Muenchen

-          Fundamentos de la Teoría de los Colores, Edición Editorial Gustavo Gili,

-          Atlas de los Colores, Edición española Editorial Blume

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Apuntes Diseño: Tema 3A Color como fenómeno físico y visual

EL COLOR COMO FENÓMENO FÍSICO Y VISUAL.

Como sabemos, la información óptica que tiene una persona de su entorno, se basa en un 40% en el color, sin embargo, no podemos hablar estrictamente de color puesto que éste en sí no existe, por lo que hablaremos de sensación de color basándonos en sus aspectos perceptivos. Así pues, el color es la sensación resultante de la impresión que crea en el ojo la luz emitida por una fuente directa o interaccionada sobre un cuerpo.

La luz blanca, en teoría la luz del Sol, se compone de radiaciones de diversa longitud de onda, cada una de las cuales correspondiendo a un color. Newton probó en 1666 que el color se encontraba unido a la luz, al colocar un prisma de cristal en la trayectoria de un rayo solar. Orientando hacia una superficie plana los rayos refractados por el prisma, observó una serie de colores denominándolo “espectro cromático”. Sus diferencias se manifestaban por una variable denominada “temperatura del color”, medida en grados Kelvin (K), siendo los de las temperaturas más bajas los colores con mayor longitud de onda. Así pues, la luz visible está formada por vibraciones electromagnéticas cuyas longitudes de onda van de unos 350 a unos 750 nanómetros (milmillonésimas de metro). La luz blanca es la suma de todas estas vibraciones cuando sus intensidades son aproximadamente iguales. Una luz compuesta por vibraciones de una única longitud de onda del espectro visible es cualitativamente distinta de una luz de otra longitud de onda. Esta diferencia cualitativa se percibe subjetivamente como tonalidad. La luz con longitud de onda de 770 a 620 nanómetros se percibe como roja, de 620 a 580 como naranja, de 580 a 570 como amarilla, de 570 a 494 verde, de 494 a 390 azul y la luz con longitud de onda de 390 a 380 nanómetros se percibe como violeta. Las luces de longitudes de onda  por encima o debajo de estas cifras no son percibidas por el ojo humano, lo que no significa que no existan o que no puedan llegarse a percibir. Las de cifras superiores a los 770 nanómetros será la luz infrarroja, y las de cifras por debajo de los 380 será la luz ultravioleta.

Los cuerpos iluminados por la luz solar pueden comportarse de diferentes formas según actúe la materia que los configura. Así, generalmente,  lo que hacen es absorber parte de la luz que reciben y transmitir otra mediante reflexión. No obstante, hay ciertas sustancias que tienen la propiedad de reflejar todas las longitudes de onda que inciden en ellas siendo su apariencia de color blanco. Cuando por el contrario, éstas absorben la luz o no reflejan más que un 10% se verán como negras. Además, existen sustancias capaces de crear color, siendo una de las más conocidas la fluorescencia y determinadas descargas gaseosas, que modifican el estado de los electrones de la materia iluminada, creando una excitación cuya vuelta al estado normal provoca impresiones cromáticas. Podemos distinguir cuatro formas diferentes que determinarán el tipo de color que toma el objeto.

-          Por pigmentación: es la forma más común. Cada pigmento muestra afinidad hacia unas determinadas longitudes de onda que son las que absorbe. Un color se caracterizará por absorber todas las longitudes de onda del espectro excepto aquellas que corresponden al color que percibimos. Éstas son reflejadas y percibidas por el ojo.

-          Por dispersión: es un fenómeno en el que se encuentran sometidas determinadas longitudes de onda que atraviesan un medio que las atrae y separa del resto del espectro.

-          Por difracción: se produce cundo la luz llega a una superficie estriada, suprimiéndose en este caso algunas de las longitudes de onda reforzándose otras, y dando por resultado una sucesión de tonos apagados que cambiarán con el ángulo de observación.

-          Reflexión por interferencia: en la que se produce un doble fenómeno de reflexión lumínica al producirse ésta sobre  una superficie que presenta en su estructura al menos dos caras que reflejan la luz de modo diferente. Se produce una interferencia entre las longitudes de onda que reflejan cada una de estas caras surgiendo la coloración global. Aunque parece un proceso complicado lo hemos visto miles de veces, por ejemplo en las pompas de jabón.

¿Pero, cómo captamos un color?, ¿cuál es el proceso fisiológico de la fotorrecepción? Como sabemos, no todos apreciamos los colores de la misma manera, ya que éste se trata de una sensación y dependerá de muchos factores, entre ellos, las características fisiológicas de cada ser humano. La fotorrecepción es la forma en la que recibimos la luz. La suma de los estadios consecutivos que crean en el cerebro la información visual. Este proceso se puede resumir diciendo que las ondas luminosas llegan a la retina del ojo pasando por la pupila, la córnea, los humores vítreo y acuoso y por el cristalino. Todos ellos actúan como enfocadores, y el iris regula la cantidad de luz que entra en el ojo. La retina interpretará la información que le llega mediante los conos (que reaccionan ante grandes cantidades de luz) y bastones (que captan aspectos más sutiles de la iluminación) y la mandará al cerebro. Una sustancia llamada rodopsina, será la que estimule a los conos y bastones en el proceso visual.

Otros aspectos determinantes serán la propia naturaleza de la luz, su procedencia y cantidad o intensidad, y las superficies coloreadas según los materiales que la forman, en la que participan la textura, los brillos, etc…

Pasemos a ver detenidamente las principales cualidades del color: matiz, luminosidad y saturación.

-          El matiz o tono: viene definido por las longitudes de onda que las superficies reflejan y define la variación cualitativa del color, siendo su identificación principal.

-          La luminosidad: tiene que ver con la intensidad o el nivel de energía. Es la luminosidad de un color es decir, el brillo. Alude a la claridad u oscuridad de un tono. Es una condición variable, que puede alterar fundamentalmente la apariencia de un color. La luminosidad puede variar añadiendo negro o blanco a un tono.

-          La saturación: está relacionada con la pureza cromática o falta de dilución con el blanco. Constituye la pureza del color respecto al gris, y depende de la cantidad de blanco presente. Cuanto más saturado está un color, más puro es y menos mezcla de gris posee.

¿Pero qué ocurre con los tonos acromáticos?, estos son aquellos donde no predomina ninguna de las longitudes de onda que definen a los que componen el espectro cromático. Serán por tanto el blanco, el negro y los grises, y su particularidad es que tienen capacidad para modificar a los demás dándoles más o menos luminosidad.

En cuanto a la temperatura del color, ésta será la sensación térmica que viene dada por isomorfismo, evocando significados de parecidos (sol= amarillo= cálido). De esta manera, denominamos colores fríos a los azules, violetas y verdes, y cálidos a los naranjas, rojos y amarillos. Los colores fríos simbolizarán a grosso modo la tranquilidad, la frescura y la trascendencia, mientras que los cálidos la vitalidad, el movimiento y la violencia.

Podemos conseguir también un número ilimitado de colores, que serán los resultantes de las diferentes mezclas entre ellos. Estas mezclas podrán ser aditivas, sustractivas o mixtas.

·         Las mezclas aditivas son las que se refieren a los colores luz, de tal manera que a más luces de color, más luminosidad. La suma de todos los colores en igual de intensidad genera el color blanco, y la ausencia de luz da como resultado la oscuridad, es decir, el negro. Los colores básicos o primarios son el verde, el rojo y el azul, cuyas mezclas nos proporcionarán otros colores secundarios. El rojo+ verde= amarillo, el rojo + azul = magenta, el azul+ verde= cyan. Los colores luz se utilizan en el campo de la ciencia o en la formación de imágenes de monitores (ordenador, tv).

·         Las mezclas sustractivas son las referidas a los colores pigmento, y en este caso cuantos más colores se mezclan el resultante va perdiendo brillo y luminosidad. Los pigmentos son sustancias coloreadas, que presentan atributos físicos con los que reflejan determinadas longitudes de onda. Los primarios serán el magenta, el amarillo y el cyan, y los secundarios sus mezclas: cyan+ amarillo= verde, cyan+ magenta= violeta, magenta+ amarillo= rojo. La mezcla de los colores primarios en la misma proporción generan el color negro. Son los empleados por los impresores. En imprenta, la separación de colores se realiza utilizando filtros para restar luz de los primarios aditivos, con lo que se obtienen los colores de impresión por proceso sustractivo.

·         Síntesis  mixta: se trata de luces proyectadas sobre soportes pigmentados, o la yuxtaposición de tintas tal y como se hace en las imprentas mediante el uso de tramas.

Pasemos a ver ahora las relaciones y clasificaciones de los colores. Generalmente éstos se ordenan mediante el llamado “círculo cromático”, que es un esquema en forma de circunferencia dividida en porciones en las que se disponen los colores primarios y entre ellos sus mezclas. Aunque este es el método más común de clasificación, existen numerosos estudios que clasifican los colores de diferentes maneras.

-          El doble cono de Ostwald (o huso de los colores): se trata de dos conos unidos por su base, en los que aparecen 24 tonos de color. Una línea vertical determina su luminosidad. Se clasifican en el conjunto por coordenadas con números y letras. En total se distinguen en él 672 colores y 8 gradaciones de escala de grises.

-          La esfera de Munsell: en esta los colores están repartidos en una circunferencia en el centro de una esfera. Los colores se establecen en unos gajos en los que en la parte superior aparecerán más iluminados y en la inferior menos. Estos colores, al igual que en el procedimiento anterior también vendrán determinados por números y letras.

-          El triángulo o cuña de la CIE: se trata de un diagrama creado por la Comisión Internacional de Iluminación en 1931, según un espectro electromagnético de luz blanca. Los colores dependerán de las longitudes de onda medidas en nanómetros.

-          El cubo de Hickethier: se trata de un hexaedro con una diagonal apoyada en un vértice sobre la que se determina la escala de grises. Los colores primarios se encuentran en las aristas del vértice superior y los colores secundarios en las aristas inferiores. En éste aparecen 1000 divisiones de color, denominados con tres cifras correspondientes a la cantidad de color primario que hay en la mezcla.

Finalmente veremos algunas de las relaciones de color más relevantes, como las de armonía, contraste y complementariedad.

·         Armonías: se habla de armonía en un par de colores cuando mantienen una relación de naturaleza. Si en su mezcla participa algún color común, o si éstos están próximos en el círculo cromático. También por su composición tonal o por su iluminación.

·         Contrastes: es la combinación de tonos o colores que tienen grandes diferencias: si rompen leyes armónicas, si están alejados dentro del círculo cromático o si presentan diferencias lumínicas. Además, se habla de “contraste simultáneo” a la interacción del color, la relación entre el color del fondo y el de la figura.

·         Colores complementarios: son aquellos que están enfrentados dentro del círculo cromático. Cada color primario tiene un complementario que es secundario. En los colores luz, la mezcla de los complementarios da lugar al blanco, en los colores pigmentos, esta mezcla corresponderá a un tono oscuro aproximado al negro. Complementario del magenta es el verde, del cyan el rojo-anaranjado, y del amarillo el violeta.La relación de colores por contraste crea reacciones visuales muy llamativas, que en ocasiones han utilizado muchos artistas como recurso expresivo, siendo éste el caso de los fauvistas, que etimológicamente significa “fieras”.

Como conclusión, haremos un breve repaso de los expuesto. Hemos comenzado por analizar la naturaleza física del color, así como su percepción. Hemos hablado de las características esenciales: tono, luminosidad y saturación, así como de su temperatura, las mezclas aditivas y sustractivas, las relaciones de armonía, contraste y complementariedad, y las diferentes formas de clasificar los colores.

Bibliografía

-          ALBERS, J: La interacción del color, Alianza Editorial, 1979

-          AMOUNT, J: La imagen. Editorial Paidós, 1992

-          PARRAMÓN, J.M: El gran libro del color, Parramón Ediciones, 1993

-          SANZ, J.C; El libro del color, Alianza Editorial, 1993

Carteles Diseño 2ºBach. - FEBIVO

Apuntes Diseño: Tema 2 Tipografía

Tema 2. Tipografía-Diseño de logotipos

Definiciones:

• Tipografía : estudio y clasificación de las diferentes familias o tipos de letras, y el diseño de caracteres con propiedades visuales uniformes.

• Fuente: es el juego completo de caracteres en cualquier diseño, cuerpo o estilo.

Fuente
ABCDEFGHIJ
KLMNOPQR
STUVWXYZ
abcdefghij
klmnopqr
stuvwxyz
1234567
890
¡”•$%&/()=?¿

Partes de una letra

Toda letra se inserta dentro de unos renglones imaginarios denominados línea base y línea superior. La única letra que se inserta entre ambas líneas a la perfección es la X. Algunas partes de letras son el asta, el ojal, panza, brazo, pie, bucle, etc...


Grosores y anchos

1. Anchura del trazo: Según la anchura del trazo pueden clasificarse en extrafina, fina, normal, negra o supernegra (de menor a mayor).

2. Proporción entre ejes vertical y horizontal: se clasifican en redonda (cuando son iguales), estrecha (cuando el horizontal es menor que el vertical) y expandida (cuando el horizontal es mayor).

3. Inclinación del eje vertical: son las llamadas itálicas o cursivas. Generalmente esta inclinación es de 15 grados.

4. Cuerpo: Es el tamaño de la letra, se mide en puntos tipográficos.

Con o sin “SERIF” (remates)

Las fuentes con remates o serifa tienen un aspecto más clásico y elegante, y son las más legibles: Times New Roman, Garamond..., las fuentes sin remates resultan más modernas y funcionan muy bien en textos cortos: Arial, Futura, Helvetica...

Clasificación histórica

1. Gótico: Fue el primer carácter de imprenta usado en Europa. Es un tipo de letra que imita la escritura a mano que llevaban a cabo los monjes con un plumín ancho. Varía desde la más antigua, de ojo pequeño, hasta las influenciadas por el estilo renacentista, de ojo más ancho y más legible.

2. Romana (o con serif): Se distinguen cuatro tipos:

A. Son los primeros tipos romanos basado en la columna de Trajano. El palo de la letra está adornado con una base con serif que surge de las letras talladas en piedra (Bembo, Palatino).
B. De transición: Se denominan así a los que se producen en el siglo XVIII. Las mejores calidades del papel y de impresión posibilitan una variación en su grosor y se hacen más finos (Garamond y Baskerville).
C. Modernos: Se caracterizan por tener los serif horizontales y delgados (Bodoni).
D. Del siglo XX: Mejoran su legibilidad. Se diseñan tipos de letra derivados del romano, con el ojo de mayor tamaño Por lo tanto, algunas de estas letras de estilo romano son: TIMES NEW ROMAN…
3. Palo seco (o sin serif): Algunas de estas letras son: HELVETICA, GILL SANS, FRANKLIN GOTHIC, FRUTIGER o FUTURA, UNIVERS. Al igual que el primer grupo, existen muchas más y hay diferentes estilos dentro de cada una, como por ejemplo, Gill Sans Bold, Gill Sans Bold Italic...
4. Otros: Algunos tipos más modernos y con amplias variaciones se escapan de la clasificación anterior creando nuevas familias como, la "caligráfica" que imita la escritura manual, la "mecano" letras densas y pesadas o la ornamental cargada de trazos y adornos.

Cuadrícula tipográfica.

• Las dos unidades de medidas básicas en tipografía son la pica y el punto (medida inventada por Didot).
• Los puntos se utilizan para especificar el cuerpo de un tipo, formado por la altura de las mayúsculas más un pequeño espacio por encima y por debajo de las letras.
• Las picas, sin embargo, se usan para medir la longitud de las líneas.
• La cuadrícula tipográfica, sirve para organizar los elementos tipográficos y pictóricos de una página y unificar todas las partes del diseño.

La legibilidad de la tipografía.

• El primer objetivo que debe tener un diseñador a la hora de ponerse a trabajar con texto es que éste sea legible.
• Los caracteres que contienen afectaciones estilísticas o irregularidades son menos legibles, por lo que son menos recomendables utilizarlos en bloques de textos y más adecuados para textos cortos o titulares.
• Deberemos elegir un cuerpo o tamaño de tipografía dependiendo de la finalidad y la importancia que queramos darle al texto. Cuando estamos hablando de un bloque de texto el tamaño idóneo debe estar entre 8 y 12 puntos, cuando nos referimos a otras finalidades del texto: titulares, subtítulos... los tamaños pueden ser muy variables.
• Por otra parte el interlineado es un factor importante para que el lector pueda seguir correctamente la lectura sin equivocarse de línea o cansar la vista. Es el espacio vertical entre las líneas de texto. Como regla general, el interlineado debe ser aproximadamente un 20% mayor que el tamaño de la fuente. Por ejemplo un interlineado de 12 puntos es correcto para un texto de 10 puntos.

Formas de alineación.

El texto alineado a la izquierda es el más natural y recomendable para textos largos. Crea una letra y un espacio entre palabras muy uniforme, y dado que las líneas terminan en diferentes puntos, el lector es capaz de localizar fácilmente cada nueva línea. Esta es posiblemente la forma de alineación de textos que resulta más legible.

La alineación a la derecha va en contra del lector porque es difícil encontrar la nueva línea. Este método puede ser adecuado para un texto que no sea muy extenso, pero no para grandes bloques.

El texto justificado (alineado a derecha e izquierda) puede ser muy legible si el diseñador asegura que el espacio entre letras y palabras sea uniforme y los molestos huecos llamados "ríos" no interrumpan el curso del texto.

Las alineaciones centradas dan al texto una apariencia muy formal y son adecuadas cuando se usan mínimamente. Pero debe evitarse configurar textos demasiado largos con este modelo.

Color en la tipografía.

• Cuando tenemos que buscar un color para asociar a un tipo, lo primero que deberemos de examinar son los objetivos del trabajo que tenemos que realizar y el público al que va dirigido. Para elegir las combinaciones de color más adecuadas para texto y fondo deberemos de tener en cuenta una serie de reglas:
o Fuertes contrastes de tono (cálidos y fríos).
o Contrates de valor (luminosos y oscuros)
o Contrastes de saturación (vivos y apagados).

* deberemos tener en cuenta que las letras oscuras sobre fondo claro es más efectivo que al contrario.

Sugerencias

1. Emplear sólo unos cuantos colores y escoger uno como dominante.
2. Elegir tonos que posean características en común, como los colores análogos o los complementarios.
3. No usar colores demasiado vivos: mezclarlos con variantes claras y oscuras de tonos bien escogidos. De esta forma produciremos sensación de diversos niveles de color o profundidad.
4. Combinar colores acromáticos con tonos puros y colores claros y oscuros.
5. Partir de los esquemas básicos de color y trabajar sobre ellos.

Tipografía connotativa

La letra tiene forma y color (y material), que tiene que tenerse en cuenta independientemente y en conjunto. Son un aspecto singular del estilo, puesto que añaden directamente cualidades representativas de las palabras, que por descontado transmiten significados por sí solas.

Altas y estrechas = Elegantes
Redondeadas y gruesas sin remates =Joviales
Letra inglesa = Fantasía y Ceremonia
Mayúscula = Autoridad y agresividad
Minúsculas = Infantiles e informales

Los signos visuales en logotipos

Aquellos elementos relevantes de la identificación que pueden ser reconocidos por un símbolo, señal o diseño, pero que no pueden ser pronunciados.

Los requisitos básicos del diseño gráfico de los signos visuales son de tres tipos:

a) Funcionales: legibilidad, originalidad y memorabilidad, versatilidad o flexibilidad (reproducción en circunstancias muy diversas sin que por ello pierda su capacidad identificadora).
b) Semánticos: La relación asociativa o referencias que la misma pueda suscitar.
c) Formales: afectan al reconocimiento cultural de la empresa: cualidades estáticas, compatibilidad entre el estilo y los contenidos comunicados, vigencia formal.

Apuntes Diseño: Tema 1C- Diseño Gráfico

TEMA 1.C DISEÑO GRÁFICO. ÁREAS DE ACTUACIÓN. RECURSOS Y PROCEDIMIENTOS.

Comencemos por definir el concepto de diseño gráfico. Se trata de una actividad creativa que entiende sobre la manera de comunicar visualmente a través de formas, palabras e imágenes. Organiza elementos gráficos y signos con criterios estéticos y funcionales para obtener una respuesta del receptor. En él intervienen distintos elementos a la hora de llevarlo a cabo: los soportes, los signos gráficos (las formas visuales y sus atributos de forma, color, textura, etc…), y en ocasiones, los signos verbales: letras y palabras. En general, el diseño es un proceso de creación visual con un propósito que responde a exigencias prácticas, englobando distintos ámbitos y campos de la vida, y formando parte, por tanto, de la cultura popular. Al llevar implícita la función comunicadora, el mensaje será la parte principal del producto, el cual deberá transmitirse por el medio más adecuado para conseguir el efecto deseado en el receptor.

Muchos son los estudios que se han ido llevando a cabo sobre la creación de un buen proyecto. Wucius Wong, en su publicación “Fundamentos del diseño”, hace una distinción entre los elementos que determinan la apariencia y el contenido de un diseño:
• Elementos conceptuales: que son los puntos o líneas de atención no visibles pero presentes, o la ilusión de perspectiva y volumen.
• Elementos visuales: cuando los elementos conceptuales adoptan sus atributos formales visibles: forma, proporción, color, textura…
• Elementos de relación: ubican e interrelacionan las formas de un diseño, unos son percibidos, como la dirección o posición; y otros sólo sentidos, como el espacio o la gravedad.
• Elementos prácticos: son el modo de representación (realista, figurativa, abstracta…), el significado del mensaje, y la función o el propósito del diseño.

El diseño, emplea los elementos básicos del lenguaje visual como uno de sus fundamentos: el punto, la línea y el plano, con sus relaciones y características propias, así como sus interpretaciones simbólicas. La composición adoptará también un papel protagonista, haciéndose uso de repeticiones, simetrías, unidad y fragmentación, equilibrio, armonía y contraste. El empleo del color se hará buscando sus aspectos psicológicos y atendiendo a su temperatura, distinguiendo entre las gamas de fríos y cálidos. Será importante considerar su relatividad a la hora de elegir combinaciones, que podrán ser armónicas o contrastadas. Según S. Berry y J. Martín en su libro “Diseño y color”, las funciones del color serán: atraer la atención, mantenerla, transmitir información, y hacer que ésta se recuerde. Las texturas visuales aportarán realismo a los diseños, y en ocasiones se utilizarán de modo decorativo, pudiendo conseguirse mediante el empleo de diferentes técnicas gráfico-plásticas, collage o de forma informática. Pero, a parte del empleo de todos estos elementos básicos, el diseño hará un uso especial de la tipografía. Ésta se entiende como el conjunto de letras, palabras y signos de lectura que intervienen en el diseño gráfico. El “tipo” o “fuente” es la forma de la letra, pero en su elección y utilización intervienen otros aspectos como el cuerpo o tamaño del mismo, medido en puntos; espacios entre letras, entre palabras o entre líneas; así como su organización en el conjunto del trabajo, para que ésta sea perfectamente legible. Aunque la tipografía se puede llevar a cabo dibujándola a mano, hoy en día, la gran variedad de tipos mecánicos e informáticos, hacen que esta posibilidad esté prácticamente en desuso. Básicamente todos los estilos tipográficos parten de dos grandes familias que se diferencian por la presencia o no de remates caligráficos. Las conocidas como de “estilo antiguo”, presentan un cuerpo robusto que se complementan con un remate fino (o serifa) que le da un aspecto manuscrito. En general son formas más redondeadas, de trazos curvos, donde predominan las líneas diagonales. Algunas fuentes pertenecientes a esta clase serían la Times New Roman, Book Antiqua, Curier o Garamond. La otra familia es la de “estilo moderno”, que surge a raíz de la Revolución Industrial y cuya característica principal es que carece de remates. Denominada también “sans serif” o de “palo seco”, presenta un aspecto más geométrico que la anterior, predominando las verticales. A este estilo pertenecen las fuentes Arial, Helvética o Futura.

Veamos a continuación las áreas de aplicación del diseño gráfico. Como sabemos, éste se ha ido desarrollando y ampliando sus áreas de actuación hasta ocupar un lugar destacado en las distintas actividades que participan en la elaboración de las expresiones gráficas y de las imágenes que habitan nuestra cotidianidad. Es imposible entrar en profundidad a conocer todas las maneras que presenta, por lo que expondremos los más significativos.

- En primer lugar estaría la señalización: que viene determinada por una serie de características formales encaminadas a que su principal función, la informativa, sea entendida con claridad y rapidez. Por esta razón su configuración será simple. Los contornos y siluetas estarán bien definidos y rellenos de un solo color que resaltará sobre el fondo. Los signos que se emplean parten de formas geométricas o de formas muy esquemáticas. Sus ámbitos de aplicación son variados: signos de indicación, señales de tráfico, direcciones, etc…
- El diseño editorial: las empresas editoriales se dedican, como su nombre indica a la edición, es decir, a la publicación del libro en general. Pero existen diferentes tipos de edición, como las periódicas que se componen de revistas, periódicos, boletines, etc… que guardan gran afinidad con el libro en lo que a sus fundamentos de producción se refiere.
o El libro: se denomina así a una determinada cantidad de impresos doblados, cosidos y protegidos por una cubierta. Además, se puede clasificar en base a diferentes características:
 Según su extensión se denominarán obras, volúmenes o entregas.
 Según la calidad de los materiales se tratará de una edición de lujo, normal o corriente.
 Según el contenido podrá ser didáctico, de consulta, técnicas, literario…
En cualquier caso la responsabilidad de la publicación de una obra recae en la editorial. La labor del diseñador, será por tanto, únicamente la de darle una forma estética al libro, teniendo en cuenta tanto la portada y contraportada, como el cuerpo interior.
o Periódicos, revistas, etc…: en este caso, normalmente el diseñador hace uso de unas plantillas estandarizadas, o modelos reticulares, que separarán en columnas tanto el texto como las imágenes dentro de la página. Estas retículas, además de la tipografía, son estudiadas minuciosamente y empleadas de diferente forma según al tipo de público al que van dirigidos.
- El diseño publicitario: se trata de una forma de diseño que puede adquirir diferentes variantes, sin embargo, todas ellas pretenden comunicarse con la sociedad y el público consumidor. El medio material más idóneo y directo es el que se lleva a cabo en el papel impreso en forma de carteles, folletos, anuncios en prensa o embalajes. La publicidad hará uso además, de diferentes recursos para captar la atención del receptor, buscando las bases de la percepción visual. Será importante tener en consideración el tiempo, puesto que en ocasiones la imagen sólo podrá ser percibida durante unos segundos, como el caso de los carteles o vallas publicitarias, y en ese tiempo, el anuncio tiene que haber calado ya en quien lo mira produciéndole un gran impacto visual. El texto, en este sentido, ha de ser claro y los colores muy estudiados. Existen numerosos sistemas de diseño publicitario, como hemos dicho, sin embargo, nos centraremos únicamente en los carteles, los envases y la imagen corporativa.
o El cartel: pueden clasificarse en diferentes tipos según su tamaño o el mensaje que transmiten. Según su tamaño podrán ser carteles pequeños para pegar en paredes o establecimientos, o vallas publicitarias para colgar en grandes soportes de varios metros cuadrados. En relación al mensaje podrán ser de carácter comercial, o anuncios institucionales o sociales. Como dijimos, el cartel ha ido siempre muy ligado a las manifestaciones y tendencias artísticas de la época, sobretodo a finales del siglo XIX y principios del XX. Los objetivos de un cartel serán los de informar con rapidez, siendo definidos en alguna ocasión como “gritos pegados a la pared”.
o Envases y embalajes (packaging): se trata de la aplicación del diseño publicitario de forma tridimensional, y su función es por tanto persuasiva y diferenciadora. Un producto ha de distinguirse de otro similar por su envase, presentando un cromatismo que lo caracterice y lo relacione con su contenido. Además, los materiales cobrarán importancia (cristal, plástico, papel, cartón…) así como las texturas.
o La imagen corporativa: se trata de la imagen que quiere dar una empresa de sí misma, ofreciendo un aspecto que refleje las características de su actividad. En este sentido, será imprescindible el diseño de logotipos, símbolos o emblemas, siendo imágenes que se emplean en lugar del nombre de la empresa con la finalidad de representarla, pudiéndose combinar con textos o haciendo un uso exclusivo de éstos. La idea principal será la de realizar una creación original que favorezca el recuerdo de lo que representa. Una vez más, el uso del color resultará determinante.

Repasemos el proceso de producción:

- Entrevista con el cliente: será el primer paso, donde deberá quedar claro el concepto que el cliente quiere transmitir, así como sus necesidades, determinándose otros factores importantes como el presupuesto o las fechas de entrega.
- Los bocetos: consisten la preparación de una versión aproximada del diseño, dándole mayor o menos acabado, pero reflejando perfectamente el producto final.
- Maquetas: se realiza con vistas a la producción, y puede ser tanto tridimensional, como una copia del proyecto impreso para comprobar la legibilidad de los tipos, la adecuación del color, márgenes o aspectos similares.
- El montaje: se trata de recopilar todos los elementos que van a formar parte del diseño final, que han de estar listos y preparados para imprimir. Además, se deberá incluir todas aquellas consideraciones que el diseñador piense que se han de tener en cuenta en fábrica o en la imprenta.
- La impresión: en un primer momento se realizará una prueba final o cianotipo, también llamado ofaliz o ferro. En este momento, ya aparecen unidos tanto el texto como las imágenes que va a tener el diseño. Una vez comprobada la prueba se realizan las planchas finales que servirán para la reproducción masiva del producto, pudiendo llevarse a cabo mediante diferentes técnicas, las más usuales la serigrafía o el offset. Durante todo este proceso, es conveniente que el diseñador esté presente para comprobar y supervisar el trabajo. También será necesario que se conozcan los diferentes recursos: bicolor, tricromía y cuatricromía, éstos se emplean cuando se quiere conseguir un efecto de tintas planas, sobretodo en carteles. Se emplea el bicolor o bitono cuando sólo se utilizan dos colores tramados. En la tricromía se emplean los colores primarios por separado, con tramas de diferente angulación según el color. La cuatricromía seguirá el mismo procedimiento pero a estos colores se le incluirá el negro.


Veamos más detenidamente el proceso de impresión según las diferentes técnicas. Básicamente se pueden englobar en grabado en hueco, en relieve o en plano.
• Procesos en relieve:
 La tipografía: se trata de una técnica de impresión antigua, en la que se ejerce presión sobre un motivo en relieve sobre una superficie metálica. Se denomina “tipos” a la unidad móvil de la composición, siendo en un principio únicamente letras, para posteriormente dar paso a otro tipo de imágenes o símbolos.
 El fotograbado: se realiza sobre una plancha de zinc cubierta con una emulsión fotográfica. Sobre ésta se aplicará un cliché o fotolito con la imagen a grabar y se someterá a un foco de luz par que ésta se impresione. Posteriormente se introducirá en ácidos como cualquier otra técnica de grabado.
 La xilografía: se trata de un viejo proceso que se considera el antecesor de la imprenta. Su técnica es bastante laboriosa y consiste en la elaboración de un grabado sobre un taco de madera. Esta misma técnica se puede emplear sobre otros materiales como el linóleo, con el que se consigue eliminar la trama de la madera en la imagen impresa.
• Procesos en plano:
 La litografía: es un procedimiento descubierto en 1798 por Senefelder y se basa en el dibujo directo sobre una plancha originariamente de piedra. Se fundamenta en el principio de la no absorción del agua por las superficies grasas, por lo que se dibujará con tinta o con lápiz litográfico (que es graso) sobre piedras de carbonato de cal y se protegerá posteriormente con goma arábiga para que no se engrasen. Estas zonas dibujadas son adsorbidas por la piedra, convirtiéndose en repelentes del agua y reteniendo por el contrario la tinta de estampación. Esta técnica permite un elevado número de impresiones por lo que derivó en su variante industrial: el offset, del que más tarde hablaremos.
 El offset: se basa en el principio de la litografía tradicional que ya hemos explicado y funciona como una rotativa mediante tres cilindros que consisten en : plancha, mantilla e impresión. La función de la superficie de impresión caliza original corresponde hoy a unas finas planchas de aluminio, aunque también se utilizan otros materiales como acero inoxidable y plásticos. Las planchas se enrollan sobre un cilindro y entran en contacto directo con el cilindro de caucho. Una batería de rodillos de goma y metálicos se encarga de llevar la tinta y el agua a la superficie de la plancha. La tinta pasa en primer lugar al cilindro de caucho y de ahí al papel. Las planchas litográficas constituyen las superficies de impresión más económicas en la actualidad, lo cual ha contribuido enormemente al éxito del proceso. Las planchas de aluminio llevan un fino recubrimiento de material fotosensible, como los fotopolímeros, que experimenta un cambio de solubilidad al quedar expuesto a una fuente intensa de luz azul y ultravioleta. Las imágenes se transfieren a la superficie cuando se expone la plancha a través de un positivo o un negativo de película. Ciertas sustancias se pueden exponer directamente, mediante una cámara de artes gráficas o un rayo láser controlado por computadora, y se elimina por tanto el coste de la película y se acelera el proceso de confección de las planchas.
• Procesos en hueco: se trata de técnicas de escasa utilización a nivel publicitario, ya que son unos procedimientos de carácter más artístico, de modo que no nos adentraremos en sus características.
• La serigrafía: Si bien el proceso de estarcido se utilizaba ya en la antigua Roma, alcanzó el mayor grado de popularidad en Estados Unidos durante la década de 1960, cuando muchos artistas utilizaban como medio de expresión los colores puros y las imágenes de contornos marcados. Un estarcido es un recortable con zonas abiertas y cerradas. La mejor forma de crearlo es recortando la imagen deseada en una hoja de papel duro; el dibujo aparece como un espacio abierto con zonas sólidas alrededor. La plantilla así obtenida se sitúa sobre una nueva hoja de papel y se aplica la pintura sobre toda la superficie. Las zonas de pintura que llegan a la hoja inferior quedan limitadas a la forma de los huecos de la plantilla, creando así la imagen deseada. Para realizar una serigrafía, o estampado sobre seda, se coloca bien tensada sobre un bastidor una pieza de seda o de otro tejido poroso. Según el método más directo, el artista crea un diseño en el tejido con un agente bloqueador como pueden ser una plantilla, cola o cola combinada con un disolvente. Debajo del tejido se coloca un papel. Con ayuda de una rasqueta se arrastra la tinta sobre toda la superficie de la tela tensada; cuando pasa por las zonas que no tienen agente bloqueador, la tinta atraviesa el tejido y se deposita en el papel de debajo, creando el dibujo. También se utilizan técnicas fotográficas mediante plantillas fotosensibles que se exponen a la luz ultravioleta con una gelatina especial que se endurece con la luz.

En la actualidad disponemos de otros sistemas de impresión que están al alcance de cualquiera, que aunque no tienen la calidad de los anteriores ofrecen muy buenos resultados.
o El ciclostil o multicopia: es un proceso de impresión y reproducción que graba el original en un cliché de un papel especial recubierto con una sustancia impermeable. La presión de la huella del lápiz o máquina de escribir expone el soporte poroso del papel , que se utiliza como un estarcido. Es muy barato y puede ofrecer más de mil ejemplares.
o La fotocopia: es uno de los procedimientos más utilizados actualmente. Se puede imprimir tanto a color como en blanco y negro, y se pueden conseguir diferentes efectos, además de hacer cambios de tamaño o imprimirse a dos caras. En este procedimiento se parte de un original que se coloca hacia abajo sobre una placa de cristal. Se activa una luz que lo explora sensibilizando también el papel de copia, cargado electroestáticamente. Las zonas sensibilizadas atraen un polvo plástico o tóner, que se fija al papel. Unos rodillos calientes lo funden y lo pegan definitivamente sobre éste.
o Las impresoras: forman parte del hardware de los sistemas informáticos, es decir, que son dispositivos de salida de información de éstos. En este caso se tratará de pasar a papel el trabajo obtenido con un ordenador. Sus características mecánicas son la velocidad de escritura, el sentido de la escritura (unidireccional o bidireccional), el sistema de arrastre del papel (por fricción o tracción) y la anchura del carro (para formatos de papel de DIN A- 4 o A-3 generalmente).


Bibliografía:

- BERRY, S y MARTÍN J.: Diseño y color. Ed. Blume, 1994
- MUNARI, B: Diseño y comunicación visual. Ed. G.G. 1985
- WONG, W: Fundamentos del diseño. Ed. G.G. 1995
- LAING, J: Materiales gráficos y técnicas. Ed. Blume, 1989

Apuntes Diseño: Tema 1- Diseño

TEMA 1. A- EL CONCEPTO DE DISEÑO


El término diseño, según el contexto en el que se emplee, poseerá distintos significados: como sinónimo de plan, proyecto, idea o propósito, o como sinónimo de plano, esquema, dibujo o croquis. El sentido más comúnmente empleado es el que se refiere a él como una disciplina técnico-creativa consistente en la operación abstracta de proyectar, prefigurar y concebir íntegramente un objeto o imagen, antes de que ésta se materialice. El plano, el boceto, la delineación y las maquetas son los medios auxiliares de los que el diseñador se sirve para visualizar el proyecto. El diseño, define pues, los aspectos funcionales y estéticos de un objeto para su posterior elaboración, pasando por diferentes momentos: uno analítico, donde se procede a un examen y estudio de los componentes del problema a resolver, y otro sintético, que sería la respuesta formal concreta, y que iría desde el trazado inicial basado en los estudios previos, hasta la planificación y el acabado de un proyecto concreto. Dos rasgos que caracterizan también al diseño son su dimensión humanista, en tanto que compromiso con los problemas que afectan al entorno colectivo, y su dimensión científica o técnica, diferenciándose de la artesanía o el arte.

Se trata de un proceso de comunicación, en el que el diseñador es el intérprete del mensaje ya que media entre el emisor y el receptor. El emisor es aquel que encarga el producto de diseño. Los mensajes son de consumo o de características culturales y son tan variados como los campos de actuación del diseño. El receptor actuará con respuestas internas o externas de carácter psicológico y emocional ante una posible adquisición del producto. El diseño tiene una indudable incidencia en el desarrollo socioeconómico y cultural de la sociedad. Sobre ello han teorizado algunos diseñadores como Lowery, quien lo hace sobre el “styling”, referido a la estética del producto, sentando las bases entre marketing y producción con sus ideas sobre cómo el diseño podría contribuir a la aceptación de un producto por parte del conjunto de consumidores. A partir de la 2ª Guerra Mundial, se produjo un espectacular desarrollo de las formas de comunicación de masas y de la comunicación visual. El consumo de imágenes adquirió tanta importancia como el consumo de objetos, de tal modo que la imagen pasó a convertirse en una mercancía más. El diseño de marcas, logotipos, la imagen de producto, packaging, la comunicación publicitaria, la imagen corporativa, etc… se convierten en una problemática cada día más compleja que ha desencadenado la aparición y auge del diseño gráfico.

El diseñador, por su parte, debe tener conocimientos básicos de varias disciplinas, que no sólo incluyen en mundo del arte, debiendo tener en cuenta algunos aspectos psicológicos, técnicos o económicos a la hora de llevar a cabo sus creaciones. Han de conjugar la forma y la función y conocer los diferentes medios de difusión del producto, así como sus características y su influencia en el receptor. Todos los diseñadores precisan de un equipo abundante y variado que les permita cumplir con los elevados criterios técnicos que hoy se exigen en la esfera del diseño. Este equipo comprende desde los instrumentos de precisión de trazado de dibujo más tradicionales, hasta los más recientes adelantos tecnológicos e informáticos. De estos últimos, destacaremos que existen numerosos programas gráficos de dibujo, maquetado, retoque fotográfico o modelado tridimensional, que es conveniente que el diseñador conozca.

Veamos a continuación los campos de actuación del diseño. Básicamente se centra en tres áreas: los espacios (el urbanismo, la arquitectura y el diseño de interiores), los objetos (la ingeniería, el diseño industrial, textil, de moda, etc…), y los mensajes (la comunicación visual y el diseño gráfico). Analicémoslas por separado.

- El diseño gráfico: se encarga de comunicar mensajes de manera escrita, generalmente sobre soporte de papel, cartón o materiales similares, utilizando formas, palabras e imágenes impresas. Sus aplicaciones las encontramos sobre todo en carteles, libros, periódicos, revistas y envases (o packaging). Pretende lograr un determinado efecto donde la presencia estética y la funcionalidad de los elementos deben conjugarse para un efecto visual correcto. El mensaje debe ser aquello sobre lo que gire y se organice todo, para lo que se deberá favorecer su atracción y posterior lectura. Los antecedentes podemos situarlos con el nacimiento de la imprenta, cuando se comenzaron a imprimir y maquetar los primeros libros. Sin embargo, generalmente se toma el siglo XIX como punto de partida del diseño tal y como lo entendemos hoy en día, debido a los avances en este campo gracias a la Revolución Industrial y la litografía. A partir de este momento, surgieron nuevas máquinas de impresión, nuevas técnicas, y por tanto, profesionales especializados: tipógrafos, opositores, impresores, editores…, que mejoraron considerablemente la calidad de estos productos.
- El diseño industrial: este se refiere a la producción y fabricación de objetos con la tecnología y la industria. Para ello desarrolla una serie de proyectos basados en un conjunto de documentos cuyo objetivo es la contratación, la ejecución y legalización de un producto, para su fabricación seriada. El proyecto técnico es el estudio razonado (ideas, dibujos, proceso de fabricación y funcionamiento) de cualquier producto que sigue una serie de fases:
o Propuesta técnica: donde se realiza un acercamiento al producto que se busca recopilando la documentación necesaria.
o Presentación de propuestas: mediante la realización de los primeros bocetos.
o Estudios de detalle: donde se recogen los cálculos y los análisis necesarios, así como los estudios de ergonomía y antropometría.
o Manual de producto: que refleja las cualidades y funciones del producto.
o Hojas de especificaciones técnicas: en las que aparecen las medidas, pesos, materiales, etc.. acompañados de planos y dibujos normalizados.
o Presentación del proyecto: se trata de la realización de una maqueta a escala o una presentación aproximada del objeto, simulando colores y materiales.
- El diseño arquitectónico y urbanístico: se ocupa de la racionalización de las construcciones y sus aplicaciones, creando espacios habitables y ordenando las estructuras funcionales dentro del mismo. Se engloba dentro de este tipo de diseño el de interiores, referido a de su decoración. El diseño urbanístico se encargará de la creación de barrios y ciudades realizando estudios del entorno, trazados de calles, zonas verdes, sistemas de alcantarillado, eléctricos, etc.. y la disposición de viviendas.
- El diseño de investigación: lo incluimos en este apartado puesto que viene implícito en cada una de las áreas del diseño. Según Bruno Munari, el secreto de todo diseño radica en la observación, estudiando todo lo relacionado con la función del producto. Además, como ya hemos dicho con anterioridad, el diseñador deberá conocer diversas técnicas y recursos formales que le ayudarán a la hora de crear el producto final.

¿Pero cómo se crea un diseño?, ¿cuál es el procedimiento de trabajo? El conocimiento y la adecuación del trabajo del diseñador de las distintas etapas del proceso de producción de diseños facilita mucho esta tarea, pudiendo tener en cuenta diferentes consideraciones: ¿qué se quiere conseguir, cuál es el objetivo?, ¿a quien va dirigido el mensaje o producto?, ¿qué medios se han de emplear?. Veamos las diferentes etapas de este proceso:

- Entrevista con el cliente: será el primer paso, donde deberá quedar claro el concepto que el cliente quiere transmitir, así como sus necesidades, determinándose otros factores importantes como el presupuesto o las fechas de entrega.
- Los bocetos: consisten la preparación de una versión aproximada del diseño, dándole mayor o menos acabado, pero reflejando perfectamente el producto final.
- Maquetas: se realiza con vistas a la producción, y puede ser tanto tridimensional, como una copia del proyecto impreso para comprobar los tamaños, la legibilidad de los tipos, la adecuación del color, la textura o aspectos similares.
- El montaje: se trata de recopilar todos los elementos que van a formar parte del diseño final, que han de estar listos y preparados para llevar a fábrica o a la imprenta, debiendo incluir todas aquellas consideraciones que el diseñador piense que se han de tener en cuenta los operarios.
- El proceso de realización: se trata de la realización definitiva del proyecto. En el caso del diseño industrial podrá haberse creado primeramente un prototipo para verificar que el diseño es correcto. En cuanto al diseño gráfico, se deberá mandar a la imprenta, donde, en un primer momento se realizará una prueba final o cianotipo, también llamado ofaliz o ferro. En este momento, ya aparecen unidos tanto el texto como las imágenes que va a tener el diseño. Una vez comprobada la prueba se realizan las planchas finales que servirán para la reproducción masiva del producto, pudiendo llevarse a cabo mediante diferentes técnicas, las más usuales la serigrafía o el offset. Durante todo este proceso, es conveniente que el diseñador esté presente para comprobar y supervisar el trabajo .
Bibliografía:
- MUNARI, B: Diseño y comunicación visual. Ed. G.G. 1985
- WONG, W: Fundamentos del diseño. Ed. G.G. 1995
- BONSIEPE, G: Teoría y práctica del diseño industrial. Ed. GG, 1978.
- SOLANAS, J: Diseño, arte y función. Ed. Salvat, 1985